Sylvain Riéjou, Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver

Sylvain Riéjou fait de l’image vidéo son partenaire de jeu, son complice, littéralement son double. Dans le solo Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver, il décortique son processus de travail en partageant le dialogue intérieur entre le « soi interprète » et le « soi chorégraphe ». Il offre ainsi à voir les différentes phases qui ont guidé la création, dévoilant la complexité liée à la fabrication d’une pièce. Le chorégraphe partage dans cet entretien la genèse et la suite de son procédé qui le met face à lui-même, lui permettant ainsi de convoquer « les autres » en lui.

Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver est le premier volet d’une trilogie. Pouvez-vous revenir sur la genèse de ce projet au long cours ?

Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver fait suite à la résidence de recherche que j’ai menée à L’L à Bruxelles entre 2013 et 2016. Pendant ces 3 ans, j’ai passé énormément de temps seul en studio de répétition. Je me suis donc confronté directement aux complexités liées à l’acte créatif en solitaire : l’obligation de faire des choix sans regard extérieur, la difficulté à s’(auto)motiver, la nécessité d’être persévérant, etc. Par la suite, j’ai ressenti le besoin de partager cette expérience à travers la création d’un solo, en mettant en scène concrètement mon processus de travail, mes doutes, mes choix. À la base de ce solo, Il y a une anecdote qui m’est arrivée pendant ma résidence à L’L. Un jour, j’avais oublié d’éteindre la caméra après une improvisation et en visionnant cette vidéo je me suis vu me dédoubler et entretenir un véritable dialogue avec moi-même. Même s’il y a un petit rapport à la folie dans cette histoire, j’ai trouvé ça drôle. C’est quelque chose que beaucoup de gens font, se parler à eux-même. Pour donner corps à la relation que je nourris avec moi-même lorsque je suis au travail, je trouvais intéressant de convoquer mon double virtuel sur le plateau. Une manière de mettre un peu d’humour et de ne pas prendre trop au sérieux cette relation qui est totalement autocentrée… Après la création de cette première pièce, j’ai eu envie de continuer à exposer mes questionnements artistiques avec deux autres projets, afin de compléter ce premier récit.

La vidéo est-elle toujours présente dans ces deux autres projets ?

Dans le deuxième solo, Je rentre dans le droit chemin (qui comme tu le sais n’existe pas et qui par ailleurs n’est pas droit), qui traite de la question de la nudité en danse contemporaine, la vidéo prend moins de place. Mon double virtuel n’est plus qu’un corps, il ne parle pas. Il me permet juste de prendre de la distance avec mon image corporelle. Je peux ainsi la détailler et l’analyser plus objectivement, un peu comme devant un miroir sauf qu’ici mon reflet peut bouger indépendamment de mon corps réel. Au fur et à mesure du solo, ce corps virtuel disparaît. Dans la 3e pièce de cette trilogie, je pense qu’il n’y aura pas de vidéo ou vraiment très peu. Je ressens de moins en moins le besoin de travailler avec ce médium. Maintenant, mon désir est plutôt de travailler avec d’autres danseurs.

Comment la vidéo est-elle apparue dans votre pratique ?

La vidéo m’a aidé à me mettre au travail. Mes premiers travaux ont été des vidéos-danse que j’ai réalisées dans ma chambre. C’était une manière de créer sans avoir à trouver des studios de répétition. J’ai toujours envié mes amis peintres ou écrivains qui travaillent chez eux, sans être dépendants du prêt ou de la location d’un espace. Avec la vidéo, j’ai pu bosser dans mon appartement, quand je le souhaitais et sans limite de temps. La vidéo m’a aussi permis de montrer mon travail sans être programmé, grâce aux réseaux sociaux ou à des concours comme Danse Élargie. Quand ces vidéos-danse étaient montrées dans des lieux de danse, j’assistais aux projections mais je ressentais de plus en plus l’envie de m’impliquer physiquement au plateau pour porter mon travail. Et puis une vidéo-danse est toujours pareille, une fois qu’elle est tournée et montée, elle n’évolue plus. Au contraire, un spectacle ne cesse d’évoluer et un danseur arrive au plateau avec son état du jour, il est parfois en pleine forme parfois plus fragile. J’aime cette prise de risque dans le spectacle vivant. J’ai donc ressenti le besoin de créer pour le plateau et d’assumer les « contraintes » matérielles que ça implique (production, diffusion etc…). Dans un premier temps, il me semblait tout de même indispensable d’être accompagné par la vidéo que j’envisage comme un prolongement de mon propre corps. J’aime le voir basculer de l’espace réel du plateau vers l’espace virtuel de la vidéo et inversement. Ces deux espaces offrent des chemins de mouvement différents et complémentaires. Plongé dans la vidéo, le corps peut devenir surnaturel (se dédoubler, se déplacer instantanément, modifier son échelle etc…) mais il perd sa capacité à envahir la troisième dimension de l’espace et surtout à improviser, du moins, dans la manière dont j’utilise la vidéo puisque je ne filme pas en direct.

Vous adjoignez la parole aux gestes. L’énonciation semble occuper une place singulière dans votre recherche.

Dans Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver je souhaitais faire entendre le dialogue que j’entretiens avec moi même lorsque je suis au travail. La parole était donc indispensable. J’aime avoir un rapport direct avec le public pour qu’il se sente impliqué dans le spectacle. Au début de Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver, je suis dans une adresse très directe. Et au fur et à mesure que le spectacle se déroule, le quatrième mur se construit. Je prends mes distances et je suis moins didactique afin de laisser les spectateurs plus libres de voir et de comprendre ce qu’ils souhaitent. J’avais besoin de dire des choses sur mon rapport à la danse et sur mon métier d’interprète, sur la violence que j’ai pu avoir vis à vis de moi. La sensation de ne pas être à la hauteur et la peur de décevoir les chorégraphes qui me font confiance. Finalement ils sont toujours plus bienveillants que je ne le suis moi-même… Dans le deuxième solo, la parole s’efface au fur et à mesure pour laisser davantage de place à la danse et donc à l’abstraction, c’est plus trouble… Le quatrième mur se construit, se déconstruit, se reconstruit, etc. Et pour la troisième pièce, je ne sais pas encore ce qu’il en sera.

Que pouvez-vous déjà nous dire sur la troisième pièce de ce triptyque ?

Elle est prévue pour 2022 et s’appellera Je badine avec l’amour. Elle questionnera la place de la danse dans les rencontres amoureuses et plus généralement le rapport au corps dans la relation sensuelle. Je souhaite y exposer ma vision des choses, en tant qu’homme homosexuel qui a construit sa perception de l’amour et de la sensualité dans les années 80-90, à travers des films qui exposent des relations hétérosexuelles très normées. Cette pièce va débuter comme un solo mais au fur et à mesure, je vais convoquer deux autres danseurs sur le plateau (un homme et une femme). Cette troisième pièce sera donc un trio. Il me semble indispensable de faire se rencontrer des corps pour explorer le rapport charnel qui se met en place dans les danses de séduction. Je vais donc abandonner mon double virtuel pour aller au contact de corps réels. Ça sera également l’occasion de sortir du plateau et de chorégraphier pour ces deux interprètes.

Chorégraphe et interprète Sylvain Riéjou. Régie son et plateau Jérôme Tuncer. Coach chorégraphique Tatiana Julien. Regards extérieurs Stéphanie Briatte, Laure Hamidi et Lucas Morlot. Photo Alexis Komenda.

Sylvain Riéjou présente Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver les 5 et 6 mars au Théâtre de Vanves dans le cadre du festival Artdanthé.