À nous deux maintenant, Jonathan Capdevielle

Par . Publié le 04/12/2017



Jonathan Capdevielle est comédien, chanteur, danseur, marionnettiste et ventriloque. La mise en scène est le dernier domaine que cet artiste polymorphe et hors pair a décidé d’investir avec inventivité et originalité. Sa dernière création À nous deux maintenant – d’après le roman Un Crime de Georges Bernanos – organise au plateau une intrigue policière compliquée où l’identité des personnages est aussi énigmatique que les crimes à résoudre.

Si cette nouvelle pièce n’est pas autobiographique comme ces précédentes pièces Saga et Adishatz / Adieu, l’artiste retrouve dans Un Crime des dynamiques complexes entre personnages ambigus et situations absurdes, avec lesquelles il semble se sentir particulièrement à l’aise. Autre affinité, l’arrière pays, ces contrées en retraite qui deviennent facilement objets d’intérêt parce que méconnues et qui offrent une immersion toute particulière. Originaire d’un village des Pyrénées où il a grandi, Jonathan Capdevielle reconnaît dans les personnages du roman de Bernanos des traits familiers dont il s’approprie les caractères et qu’il arrive à interpréter dans des textures surprenants pour leur diversité.

Dans un petit village alpin, deux meurtres se succèdent le temps d’une même nuit. Concomitant à l’arrivée du mystérieux curé de Mégère, les deux crimes occuperont l’esprit du juge et mobiliseront les habitants de la petite bourgade dans la tentative d’en démêler les ficelles. Ainsi la dramaturgie de À nous deux maintenant laisse ces premiers événements évoluer dans l’obscurité, la scène se dévoile lentement dans une atmosphère ténébreuse et immersive, les sons d’un signal de radio et d’un tonnerre interrompent le silence, le sifflet d’une locomotive au lointain annonce l’arrivée d’un train. Une cabine circulaire apparaît côté cour, peu éclairée elle héberge une figure dont le monologue varie d’éventail et semble accueillir en elle plusieurs personnages. À l’extrémité jardin une installation avec un synthétiseur analogique joué en direct déforme les voix et distord davantage la réception de ce qui est représenté. L’aspect fictionnel est d’emblée démultiplié par une série d’éléments qui viennent brouiller la lecture de la pièce, laissant sa diégèse se composer, ou peut-être se décomposer, de façon singulière. L’univers auquel le spectateur est convié est soumis à des phénomènes peu communs, sa lente introduction permet de s’y installer dans un confort précaire.

L’auteur du roman, intégré parmi les personnages de la pièce, raconte l’histoire de l’écriture de ce polar qu’il décide d’entreprendre pour des raisons financières mais dont le déroulement se révèle tout aussi compliqué. Une strate supplémentaire est ainsi ajoutée au récit, celle autobiographique de Bernanos qui apporte l’illusion du réel au sein de la narration.

L’entrée en scène du curé de Mégère déstabilise, présence douce au ton posé, son androgynie semant un premier doute. Dans cette pénombre un premier cadavre est découvert, celui du véritable curé, puis un deuxième, celui de la Châtelaine. L’enquête qui suit voit impliqués le juge, le chef policier du village, un médecin, la servante de la riche dame tuée, le curé de Mégère autour duquel gravite un jeune orphelin fasciné par la parole du prêtre. Tous se croisent. À des vitesses et intensités différents des relations se tissent, l’héritière de la Châtelaine fait une apparition fugace, lente et sensuelle elle séduit le chef policier qui tâtonne autour d’elle jusqu’à s’immobiliser. Entre temps le juge inlassable dans sa quête de vérité est pris d’une fièvre délirante qui ralentit ses mouvements et laisse ses raisonnements divaguer, le curé de Mégère est pris à son tour d’une forme de lassitude mélancolique.

Au milieu d’apparitions, de narrations entremêlées, le fil de l’intrigue n’est jamais coupé. Le récit conducteur, porté de façon magistrale par Jonathan Drillet – assistant à la mise en scène – dans le rôle du magistrat et de Bernanos, permet de maintenir l’attention à l’intérieur d’un devenir instable, parfois hallucinatoire, rêveur, drôle, riche et volontairement confusionnaire. Jonathan Capdevielle crée des brèche à l’intérieur de la dramaturgie en changeant lui-même de registre pour intervenir provisoirement en tant qu’enquêteur zélé, chanter du Madonna en français ou encore se glisser dans la peau d’un curé désopilant et inspiré franchissant l’espace de l’auditoire.

La scénographie de Nadia Lauro, des racines gigantesques d’un tronc d’arbre coupé à la base, accueille dans ses recoins les humeurs changeantes des personnages, au risque de les faire disparaître, branches terriennes et tentaculaires venant refléter les ramifications sensibles par lesquels l’humain transite et dans lequel il lui arrive de s’égarer. Le théâtre de Jonathan Capdevielle s’autorise des dérives, écarte les codes pour laisser place à la représentation troublée d’états d’âme qui touchent aux abîmes. L’artiste joue avec les distorsions perceptives, les fulgurances et les arrêts sans avoir peur de transformer un drame en une farce. Pendant les trois heures du spectacle, les six interprètes changent de rôle et de jeu avec une aisance exceptionnelle, alternant texte, chant et danse dans un voyage sombre et vertueux qui désoriente tout en atteignant des sphères profondes de l’être, parlant avec légèreté de l’âme « cette chose qui subit la mort sans en mourir ».

Vu à Nanterre Amandiers, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris. Conception, adaptation et mise en scène, Jonathan Capdevielle. Avec Clémentine Baert, Arthur Bartlett Gillette, Jonathan Capdevielle, Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Michèle Gurtner. Photo © Pierre Grosbois.


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